Manuale di scrittura creativa di Roberto Cotroneo

Il Manuale di scrittura creativa di Roberto Cotroneo, Castelvecchi Editore, è stato il mio primo manuale di scrittura in assoluto, acquistato nel 2012. La prova tangibile, a me stessa più che agli altri, che avevo deciso di “fare sul serio”.

Avevo una storia tra le mani, ma non sapevo come svilupparla, quale forma farle prendere, se stavo imboccando la direzione giusta. E quando non sai, che cosa fai? Apri un libro e studi, come t’insegnano a scuola. Il problema in questo caso è trovare il libro giusto. All’epoca girovagai tra le librerie online e le varie recensioni degli altri lettori e questo era dato come un ottimo manuale per un primo approccio alla scrittura creativa.

La prima parte di questo testo era distribuito dall’autore stesso in formato pdf gratuito, con il titolo Manuale di scrittura creativa per principianti ed utilizzato durante i suoi corsi di scrittura in classe. Ogni singola lezione chiude con un esercizio specifico, ma non è ovviamente prevista alcuna correzione.
A questa prima versione, con la pubblicazione è stato aggiunta una seconda parte con alcune interviste di figure professionale del mondo editoriale e qualche altra indicazione utile.

Me lo sono riletto di volata questa settimana, non soffermandomi su ogni singola frase quasi fosse oro colato come nella prima lettura, ma valutando i concetti a distanza e per molti di questi non sono più d’accordo con l’autore. Non so dire però se questo sia segnale che in questi anni ho imparato qualcosa in più …o non ho imparato affatto!
Condivido quindi con voi i miei appunti e vediamo cosa ne pensate.

Le lezioni di Roberto Cotroneo

Lezione 1: Principi generali
Dove si parla delle motivazioni a scrivere. Dell’angoscia della pagina bianca. Dei processi creativi che portano alla scrittura. Delle decisioni da prendere prima di cominciare a scrivere un testo narrativo. Di come ci si prepara. E in quali tranelli è opportuno non cadere.

Se oggi vi dicessero che la Terra verrà distrutta completamente entro un mese, continuereste a scrivere il racconto o il romanzo a cui state lavorando? Se rispondete di si, secondo Cotroneo state mentendo.

“Si scrive per gli altri, mai solo per se stessi. E soprattutto, si scrive per essere letti.[…]La scrittura è una forma di comunicazione, non è una forma di solitudine: si scrive per raccontare qualcosa a qualcuno.[…] e quelli che tengono un diario […] non lo distruggono perché in fondo al loro cuore sperano comunque di farlo leggere a qualcuno[…]. La scrittura è una forma di comunicazione, non è una forma di solitudine: si scrive per raccontare qualcosa a qualcuno. “

Non sono molto d’accordo. Innanzitutto esiste anche la Scrittura-Terapia (o Writing therapy) e certamente chi usa le parole come valvole di sfogo delle proprie emozioni non ha certo voglia di condividerle con altri, soprattutto quelle negative come rabbia, violenza e vendetta. Poi ci sono storie che si scrivono per sé stessi, perché finché rimangono nella testa sono annebbiate e confuse, ma ci piacciono così tanto che dobbiamo vederle lì, davanti a noi, terminate. Non le scriviamo per qualcuno e perché qualcuno le legga, ma quel qualcuno siamo noi. Se questo non è mai capitato a Cotroneo, non lo so, ma personalmente mi capita spesso. Sono pubblicabili? Forse, ma al momento preferisco che siano solo mie.

“Spesso scrivere è un modo per riflettere sulla propria vita […]. Altre volte è proprio il gusto, il piacere di raccontare qualcosa. Raccontare qualcosa di tuo.[…] trasformare le storie personali in qualcosa di universale, rielaborandole, è certamente la soluzione più giusta.”

Anche su questo mi trova in contrapposizione. Possiamo forse rielaborare le emozioni, ma non le situazioni. Se per scrivere dobbiamo per forza aver vissuto un dato evento, capite bene che sarebbero poche le storie che possiamo davvero raccontare. (E in effetti non è che Cotroneo abbia scritti molti libri di narrativa, Stephen King è molto più prolifico per dire).

“La nevrosi che vi riguarda da subito è […] quella che molti hanno definito l’ansia da pagina bianca. Ovvero il momento dell’inizio. […]Il segreto per liberarsi da quest’ansia è di non pensare mai al proprio racconto nella sua completezza.”

Su questo nulla di nuovo. L’autore suggerisce gli stessi consigli di molti altri scrittori: dividere il testo in porzioni, concentrarsi su cinque pagine alla volta; scrivere ogni giorno, anche se non sembrano buone idee; darsi un ritmo di lavoro minimo che possa essere rispettato facilmente, magari di 1600 battute al giorno (fatalità le stesse del NaNoWriMo); non cadere nell’errore di scrivere troppo perché si peggiora di riga in riga; non essere troppo severi con noi stessi all’inizio ed eccessivamente ossessivi con la revisione.

Lezione 2: La struttura del racconto / La struttura del romanzo
Di come si costruisce una trama narrativa. Della lunghezza del testo. Del modo di procedere. Con esempi e ipotesi di una struttura narrativa di romanzo e di racconto. E poi delle differenze narrative tra racconto e romanzo. Del perché sia difficile tenere in piedi una storia per più di cento pagine.

“Quasi mai l’autore ha un’idea precisa di quello che andrà a raccontare. Spesso ne sa poco. Ancora più spesso non sa quasi nulla.[…]Uno scrittore non dice mai: ho una storia da raccontare. Dice: vorrei scrivere un romanzo sull’amore, sull’amicizia, sulla guerra, sulla politica, e via dicendo.”

Che all’inizio non ci sia un’idea ben precisa è un approccio condiviso da molti. Che si parta dal concetto di voler scrivere un romanzo più o meno su quell’argomento mi sembra una visione limitata del “scrivere per farsi leggere”. O forse la differenza tra scrittore e scribacchino è proprio questa: uno scribacchino dice proprio di avere una storia da raccontare!
Interessante il paragone che Cotroneo fa della scrittura con un viaggio in automobile, senza destinazione: dall’uscita dell’autostrada ad ogni bivio di statale o ad un semplice semaforo, prendiamo delle decisioni.

“Il punto di partenza è sempre un’idea, un luogo, uno stato dell’anima. […]Accade che a ogni scelta che fate negate tutte le altre. […]l’idea iniziale del romanzo è la scelta della direzione.[…]Solo che nel romanzo le scelte finiscono per avere una coerenza, e le ipotesi che scartate sono quelle che non vi sono congeniali.”

Per fornire un esempio pratico, l’autore ripercorre le tappe del metodo di lavoro utilizzato per il suo romanzo Otranto, anche se appare troppo schematizzato.

“Il racconto chiede un’idea soltanto, è un flash, è come fermare una storia, che potrebbe essere molto più lunga (potrebbe essere un romanzo) e raccontarne un solo dettaglio. Molti pensano che i racconti siano dei miniromanzi, solo più brevi. E’ sbagliato: i racconti sono un ingrandimento di un frammento.”

Non sono certa che questo sia vero. I racconti sono comunque storie, fatte e finite, soprattutto di questi tempi che i lettori hanno poco tempo e prediligono letture brevi. Certo non c’è la complessità psicologica dei personaggi, che sono limitati all’essenziale. Se sono un frammento, delineano comunque gran parte del disegno dell’oggetto a cui appartengono.

“Contrariamente a quanto si pensa è molto più difficile scrivere racconti che romanzi. Ma ancora esiste l’idea che la difficoltà nello scrivere stia soprattutto nella lunghezza del testo […] dovete ragionare lentamente, non dovete avere fretta nel raccontare le cose. Sapere che la vostra storia vi accompagnerà per più tempo di quanto potete supporre”

Questo concetto è però in antitesi con quanto affermato da Stephen King, che si da solo tre mesi per scrivere la prima versione completa di ogni romanzo, perché poi cala inevitabilmente l’entusiasmo per la storia e rischia di non essere più produttivo. Chi ha ragione?

Lezione 3: L’incipit
Di come si inizia un racconto e di come si inizia un romanzo. Del modo tradizionale. Del modo “in media res”. Della scelta dello stile e della scelta della lingua. E del grande dilemma della prima persona e della terza persona.

“Scrivere un libro vuole dire innanzi tutto sedurre il mondo. Voi dovete sempre pensare che la prima regola è quella di afferrare il vostro lettore, e fare in modo che non si stacchi più dalla vostra scrittura. […] L’incipit non è altro che un principio di seduzione, dunque ha un’importanza fondamentale.”

Al di là che la prima frase mi sembra un po’ presuntuosa (sedurre il lettore magari, ma il mondo intero?), anche sull’incipit ho sentito pareri discordanti. Il punto è che il lettore per arrivare a leggere è già stato attirato dalla grafica della copertina e dall’intrigante paragrafo della quarta di copertina. Quando arriva all’incipit ha già un’immagine di cosa tratta il romanzo e forse pure una determinata aspettativa. Un incipit straordinario che poi non faccia seguito all’attesa del lettore può essere molto più dannoso.

“…l’incipit non è un riassunto in poche righe di quello che scriverete in tutto il testo. […]Perché non è ambiguo, perché non è seduttivo, perché dice tutto. E nella strategia della seduzione il dire tutto non è efficace.”

Seguono poi una carrellata di incipit diversi, anche per evidenziare alcuni errori: dall’inizio che dice troppo a quello misterioso e ambiguo, dal cominciare a metà dell’azione o variando il tempo verbale della scrittura.

“Chiaramente dipende tutto da come decidete di utilizzare il tempo nel racconto.[…] Io consiglio, quando non si ha molta esperienza, di utilizzare il più possibile la prima persona. È molto più facile da gestire, ed è molto più caldo.”

Uhm, quindi la prima persona è il tempo dei principianti??

Lezione 4: La descrizione
Sulla descrizione degli ambienti. Sulla descrizione dei paesaggi. E ancora sulla descrizione dei personaggi. Di cosa evitare. Di quali tecniche usare. Del rapporto con il racconto cinematografico.

“La descrizione è il punto vero in cui un lettore professionale, o un editor, riesce a capire meglio le capacità di uno scrittore.”

Questo è vero, dal momento che quel che cala il lettore direttamente nella storia è la descrizione, del luogo, del tempo e dei protagonisti che vi si muovono. Il dialogo poi completa il movimento e l’azione del racconto, ma la descrizione è quella che crea l’immagine mentale del lettore.

“Diciamo subito una cosa: il cinema ha cambiato il modo di descrivere in letteratura in modo radicale.[…] Tutti noi pensiamo sostanzialmente in termini di montaggio.”

E per un’appassionata di cinema e fiction con me questo è altrettanto lampante. Sono così abituata all’occhio da macchina da presa, alla panoramica che lascia veloce il passo al primo piano, l’inquadratura di un dettaglio, lo zoom che riprende distanza, lo spostamento ad un’altra telecamera, che anche quando scrivo in realtà sono in camera di regia.
L’autore prosegue poi con degli esempi, descrivendo in maniera diversa, la stanza da cui egli stesso sta scrivendo.

“La letteratura del Novecento vuole le descrizioni attraverso dei salti visivi, anziché attraverso una completezza assoluta della descrizione.[…] Inizio con un concetto non con una descrizione spaziale.[…]Qui metto degli elementi, ma non do al lettore la sensazione che gli sto descrivendo qualcosa, rimango nel campo del punto di vista.[…]Ingrandisco un dettaglio, come usassi uno zoom, non tutti gli elementi vanno descritti con un identico ordine di importanza.”

Dovrebbe cambiare qualcosa con la descrizione fisica dei personaggi?

“La descrizione fisica. Apparentemente la più difficile. Intanto partite da un presupposto: la descrizione fisica non è sempre necessaria per delineare un personaggio. Ci sono straordinari personaggi della letteratura di cui non conosciamo né il volto né l’aspetto fisico.”

E aggiungo: i romanzi che hanno più successo con il pubblico femminile (ma magari i maschietti mi confermeranno che il meccanismo è uguale dalla loro parte) sono quelli in cui la protagonista è talmente poco tratteggiata che ognuna riesce a immedesimarsi ugualmente, essendo invece tutte diverse per statura, corporatura, colore dei capelli e degli occhi. E questo me l’ha rivelato Mister E., da sempre lettore molto arguto. 😉

Lezione 5: Il dialogo
Dei vari modi di scrivere un dialogo. Del dialogo asciutto e secco. Di come aggiungere elementi narrativi nel dialogo. Della veridicità del dialogo. Delle difficoltà e degli errori da evitare. Del saper rendere riconoscibili e diverse le varie voci che fanno parte del dialogo. Del rischio di essere didascalici. Della solita domanda: dialoghi lunghi o dialoghi brevi? E soprattutto di cosa fare quando non sia molta esperienza.

“Il dialogo è forse la cosa più difficile da rendere in modo efficace. È talmente difficile che nel cinema esistono gli sceneggiatori, e spesso esistono anche “i dialoghisti”, ovvero persone che riguardano correggono e lavorano sui dialoghi degli attori, per renderli più efficaci.”

L’autore cita un esperimento che ho sentito in altre occasioni: registrate una conversazione telefonica con un amico e riascoltatela. Seppure sia vero, non vi sembrerà un dialogo realistico. Questo perché la finzione deve addirittura superare la verità.

Attraverso un esempio, in diverso stile, di un dialogo tra due personaggi, Cotroneo riporta alcune indicazioni basilari per orientarci e scrivere un buon dialogo: evitare di essere didascalici, perché il lettore non è qualcuno a cui dover spiegare tutto; nel dialogo a due non è sempre necessario mettere i nomi di chi parla; lasciare il lettore libero di completare il racconto dandogli solo pochi dettagli, così diventa parte attiva del dialogo ed entra nel testo; non eccedere nel linguaggio riconoscibile per ogni personaggio della storia (come gli elementi dialettali).

“Un’ultima considerazione. Nelle vostre prime prove narrative limitate il più possibile i dialoghi. Soprattutto quelli lunghi. Potete utilizzare il discorso indiretto, e di tanto in tanto far parlare i vostri personaggi.”

Non mi ritrovo in questo suggerimento. Il dialogo per me è azione, è mettere il lettore al mio fianco della cinepresa. Il discorso indiretto invece è come leggere il copione senza gli attori, lo trovo meno coinvolgente.

Lezione 6: La digressione
Del perché sia importante la digressione nella narrativa. E a cosa serve la digressione. Di che cosa sia la digressione di primo e di secondo grado. Di come si inseriscono le digressioni nel testo narrativo.

“…le vostre dieci pagine non sono un romanzo o un racconto. Sono un soggetto cinematografico. Avete scritto una trama, non un romanzo. La differenza tra una trama e un romanzo sta proprio nella digressione.”

La digressione indica una pausa narrativa, una sorta di parentesi che si apre all’interno della narrazione, per approfondire la storia di un personaggio o dei fatti accaduti in precedenza alla linea principale. Le digressioni non sono un espediente per allungare i testi, hanno la stessa dignità e importanza della storia stessa. Cotroneo usa il paragone con un albero: il suo tronco è ciò che lo sostiene, ma un albero è tale quando ci sono anche rami, rametti e foglie.

“Ci sono due tipi di digressioni. Che chiamo di primo grado e di secondo grado. Le digressioni di primo grado sono all’interno della storia che state raccontando. Le digressioni di secondo grado invece si muovono secondo logiche esterne.”

Tramite gli esempi forniti, vediamo che nella digressione di primo grado tutti gli elementi in più sono pertinenti alla situazione descritta, inseriti dentro il testo narrativo, nello stesso paragrafo. Questo perché il lettore vuole capire vedendo, che gli elementi forniti siano descrittivi ed emozionali assieme. Nella digressione di secondo grado invece c’è un cambio di argomento completo all’interno del testo narrativo, un intermezzo più o meno lungo, anche una diversa linea narrativa, parallela alla nostra storia (ma che in qualche modo la completerà verso il finale). L’importante è che questo cambio non deve innervosire il lettore, non deve fargli perdere il filo principale.

Nota: anche qui tutti gli esempi utilizzati sono scritti dallo stesso Cotroneo, quasi una pubblicità non troppo occulta. Avrei preferito porzioni di testo di altri autori, magari direttamente dai classici, spaziando anche tra diversi stili. Ma forse questo sarebbe risultato di difficile comprensione per un neofita della scrittura.

Lezione 7: Lo stile
Di come dominare lo stile, e come sceglierlo. Del perché alcune narrazioni richiedono un certo stile e non un altro. Del perché sia importante saper scrivere in stili diversi, per poi scegliere liberamente il più congeniale.

“La domanda iniziale è questa: ognuno ha uno stile che deve assecondare? E soprattutto questo stile è come se fosse una sorta di patrimonio genetico da cui non si può prescindere?”

Questa domanda ce la facciamo in continuazione, sia per la paura di copiare inconsciamente i nostri autori preferiti sia per la paura di non arrivare ad avere uno stile tutto nostro, che dicono sia condizione essenziale per arrivare ad una pubblicazione. Secondo Cotroneo (ma è opinione comune), il modo di scrivere è fortemente influenzato dalle letture (si chiama influenza letteraria).

“Lo stile è un frutto mimetico. Si forma, con ogni probabilità nell’adolescenza e nella prima giovinezza, e spesso rimane sul fondo. E si forma con le letture cruciali della propria vita.”

Dunque, se lo stile che va formandosi è unico, sarà lui a decidere che tipo di storia scriveremo?

“Oggi uno scrittore può decidere di scrivere libri con stili diversi, e gli stili devono adattarsi al tipo di libro che si scrive. Questo senza mettere in dubbio la personalità di chi scrive.[…] Dovete capire che stile utilizzare prima di cominciare una storia.”

Dagli esempi citati non è molto comprensibile la differenza di stile, ma volendo estremizzare, è chiaro che un romanzo d’azione più facilmente utilizzerà uno stile sintetico, asciutto, con pochi aggettivi, mentre un rosa o un erotico dovrà ricercare uno stile avvolgente, emozionale e sensuale.

Lezione 8: Utilizzare le fonti
Sul romanzo storico e sul romanzo contemporaneo. Le differenze e le difficoltà. Di come ci si documenta, di che testi utilizzare. Degli errori, dei trabocchetti, delle cose da sapere. E ancora sulla geografia dei luoghi. Sugli oggetti, le abitazioni, gli arredamenti, le città che cambiano, i paesaggi, il cibo, etc. Con una domanda importante: si possono ambientare parti di racconto e di romanzo in luoghi geografici che non si conoscono direttamente?

“La difficoltà tecnica di un testo narrativo e tanto più alta quanto vi allontanate dalla contemporaneità.[…]Non è un caso che i romanzi storici ormai vengono scritti, spesso, da specialisti di un’epoca storica, che dopo aver studiato per molti anni usi, costumi, ambienti, e vicende di quell’epoca.”

Nel scrivere un romanzo lontano dal nostro quotidiano, sia indietro con il genere storico che in avanti con la fantascienza, entrano in campo la psicologia dei personaggi e l’ambientazione. Mentre nel primo caso possiamo immaginare le loro difficoltà immersi in quel tempo e luogo (le emozioni saranno sempre le stesse, pur cambiando gli eventi), per l’ambientazione non rimane che documentarsi per ogni dettaglio.

“Voi direte: ma in un’opera di fantasia è così necessario essere precisi nei dettagli? La risposta è sì. Non potete sbagliare nulla. Le opere di fantasia chiedono la verosimiglianza. E non tollerano gli errori.”

In che tipo di errori rischiamo di incappare? Cotroneo ne cita parecchi e tutti molto validi, ve ne riporto solo alcuni: se ambientate la vostra storia nel 1969, i vostri protagonisti non possono leggere “Repubblica”, nascerà solo nel 1976; se abitano a Roma, non possono entrare in una libreria Feltrinelli perché allora esisteva solo a Milano; la televisione non era a colori e il settimanale “L’Espresso” non utilizzava il formato magazine ma quello lenzuolo come i quotidiani.

Quali fonti possiamo utilizzare per verificare i nostri dettagli?

1. Le guide. Guide geografiche e cartine.
2. Piantine delle città le più dettagliate possibile, per controlllare itinerari, spostamenti.
3. Libri fotografici. Che vi possano dare un’idea dei posti.
4. Libri di storia dei luoghi.
5. Dizionari tecnici, quando dovete rendere più credibili, mestieri, attività e descrizioni.
6. Ogni oggetto che gli fate maneggiare deve essere compatibile con l’epoca: verificare l’anno di produzione.
7. Se ascolta musica, state bene attenti a non citare canzoni che non erano uscite.

Da questo punto di vista, Internet è una grande svolta perché molto di questo è a portata di click.

“Si può raccontare di luoghi, di eventi e di situazioni che non avete mai visto? L’esempio di Emilio Salgari è certamente il più citato di tutti. Raccontò la Malesia senza esserci mai stato.”

E noi siamo abbastanza fortunati: con Instant Street View possiamo vedere la Malesia in qualsiasi momento!

Lezione 9: Decidere la temporalità degli eventi raccontati
Dove incominciate a chiedervi una cosa: chi racconta sa già tutto della storia (ovvero la racconta a posteriori), o apprende man mano che procede nel racconto? Del perché questa sia la scelta più difficile, e quella più importante. Di cosa conviene scegliere, di quali problemi vadano risolti. E del perché all’inizio è forse più opportuno decidere per un narratore che sa tutto. Di come cambia lo stile del racconto se si decide per un’opzione o per l’altra.

“Cosa vuol dire decidere la temporalità degli eventi? Vuol dire innanzi tutto stabilire una cosa. Quanto sa della storia che andrà a raccontare il narratore?”

Temporalità degli eventi intesa come tempo verbale del romanzo: presente (Paolo sta aprendo la porta) contro passato (Paolo stava aprendo la porta). Sembra una decisione banale, ma non lo è affatto.

Al tempo presente, il narratore racconta in tempo reale quel che sta succedendo, dunque scopre gli eventi man mano che li scrive. Si è quindi obbligati ad una narrazione lineare, più facile ma, secondo Cotroneo, più piatta, senza sorprese.

Al tempo passato, il narratore racconta una storia già avvenuta, sa già tutto quello che è accaduto nel momento in cui inizia a scrivere. Si dice che è onnisciente. Di conseguenza può decidere come e quando raccontare quello che è già successo. Può anticipare qualche dettaglio, che genera aspettativa nel lettore. E’ una scrittura più difficile perché frammentata in continui andirivieni nella linea temporale, ma molto emozionale, avvolgente e seduttiva.

“Un lettore che ha perso ogni ingenuità e che dalla narrazione pretende molto di più. Non vuole essere preso per mano in un modo lineare, chiede invece complessità, salti temporali, ritorni indietro, anticipazioni sottili sul futuro. Vuole immaginare delle cose senza sapere troppo.”

Lezione 10: E quando ho finito di scrivere il mio libro o i miei racconti cosa devo fare?
Del mondo editoriale. Delle differenze tra una casa editrice e un’altra. Del perché non si deve mai pagare per pubblicare un libro. Di come si invia un testo a una casa editrice.

Qui l’autore spiega perché gli esempi all’interno delle lezioni sono scritti da lui:

“In nessuna lezione ho scomodato la tradizione letteraria per fare degli esempi. Ed è stata questa una scelta molto precisa e voluta. Troppo spesso i corsi di scrittura sono di fatto dei corsi di letteratura, e di analisi letteraria camuffati. L’importanza della tradizione letteraria è indiscutibile, per non dire fondamentale, ma è anche molto oppressiva. E il più delle volte porta ad allontanarsi dalla scrittura, e intimidisce chi si mette in gioco.”

Cerca inoltre di rispondere ad alcune domande su quale strada far intraprendere alla propria storia, una volta terminata, perché:

“E spesso pubblicare non è solo il privilegio di chi scrive un buon testo, è anche il risultato di scelte giuste, e di una buona conoscenza di quel mondo.”

Queste gli argomenti che vengono trattati, e davvero vale la pena di leggere (solo per questi consiglierei la lettura del manuale!):

• Un editore è tale se può vantare una distribuzione.
• Non si deve mai pagare per pubblicare.
• Ma i grandi editori non ci considerano e non leggono i libri. Niente di più falso. (ndr: siamo sicuri??)
• Se un editore mi risponde di no cosa faccio? Posso provare con altri? La risposta è sì.
• Ma se mi rispondono di sì, cosa devo chiedere? Risposta: un contratto.
• E’ meglio provare con editori grandi o rivolgersi ai piccoli?
• Ci sono editori e nomi a cui rivolgersi?
• Come trovo indirizzi, e a che mi rivolgo?
• Come mando il testo?
• Mi possono chiedere di modificare il libro, togliere dei capitoli, spostarli, aggiungere pagine? Sì, rientra nelle richieste di un editore.
• Mi possono riscrivere il libro, magari in alcune parti, per farlo diventare più omogeneo allo stile dell’editore? Non accade mai.
• Quanto deve essere lungo un libro da mandare a un editore? Ormai non ci sono regole.
  Racconti o romanzo? …i racconti, nelle case editrici, non sono molto amati.
• Gli agenti letterari. Chi sono.

Contributi e strumenti

Questa è una sezione aggiuntiva, rispetto alle lezioni che derivano dai suoi corsi di scrittura (che evidentemente da sole non giustificavano la stampa del libro). Non sono essenziali, e probabilmente vanno anche aggiornate, ma sono sicuramente un ottimo compendio per un neofita che si avvicina alla scrittura e non conosce nulla del mercato editoriale.
In questa appendice troviamo:

• Come si costruisce il personaggio di un romanzo
  Intervento di Andrea Camilleri
• A cosa serve frequentare un corso di scrittura?
  Conversazione con Stas’ Gawroski / BombaCarta (e lo vai a chiedere ad un docente di corsi??)
• L’esordiente, l’agente letterario e il mercato
  Conversazione con Piergiorgio Nicolazzini / PNLA
• Cosa devo aspettarmi da un agente? E’ tutta questione di Anerkennung
  Intervento di Roberto Gilodi
• Gli indirizzi delle principali case editrici a cui spedire il vostro dattiloscritto
• Scuole e associazioni di scrittura creativa
• Bibliografia, con letture divise per
  – Corso di scrittura
  – Guide alla scrittura
  – Strumenti per scrivere
  – Consigli a scrittori
  – Il mestiere dello scrittore
  – I classici
  – I grandi saggi
  – Interviste ai Grandi
  – Il punto di vista femminile
  – Scrivere Zen

Una domanda per voi…

Quale è stato il vostro primo manuale di scrittura? E cosa avete trovato in più, o in meno, rispetto a questo di Cotroneo? Personalmente sono soddisfatta di averlo letto, anche se leggo in rete molte recensioni negative, trovo sia un buon manuale di prima lettura. Magari molti autori self di Amazon lo leggessero prima di pubblicare 34 “romanzi” all’anno… 😀
Un’ultima citazione di Cotroneo, giusto per rimanere in tema del blog:

“Si naviga a vista, lasciando che la storia prenda forma da sé.”